草間彌生の生涯と代表作を徹底解説！水玉・無限の網と2026年最新展覧会

日本を代表する前衛芸術家、草間彌生（くさま・やよい）。水玉模様で覆われた南瓜、果てしなく続く鏡の空間、無数の網目が広がる絵画など、ひと目で本人の作品と分かる独創的な芸術表現で世界中の人々を魅了してきた。

しかし、草間彌生の芸術は、単にカラフルで視覚的に印象的な作品を生み出すことだけを目的としていたわけではない。幼少期から経験した幻視や幻聴、恐怖との向き合い方、自己と宇宙の境界をなくそうとする「自己消滅」という思想、そして愛と平和への願いが、その創作活動の根底にある。

草間彌生は2026年8月14日、東京都内の病院で97歳で逝去した。8月27日に公式サイトと草間彌生美術館が訃報を発表。亡くなる直前まで絵筆を手放さなかった生涯は、世界の美術界に大きな足跡を残した。現在も東京とアムステルダムでは関連展覧会が開催されており、その芸術を振り返る機会が続いている。

【2026年最新】草間彌生が97歳で逝去！8月14日の最期と公式発表の内容

草間彌生の逝去は、2026年8月27日、本人の公式サイトを通じて発表された。

公式発表によると、草間は2026年8月14日、東京都内の病院で永眠。1929年生まれで、享年97だった。

発表を行った株式会社草間彌生および株式会社草間彌生スタジオは、彼女が美術だけでなく、パフォーマンス、小説、詩など幅広い分野で国際的な活動を続けてきたことを紹介。亡くなる直前まで絵筆を手放さず、永遠の愛と魂を探究し続けた生涯だったと伝えた。

逝去日と発表日を整理

• 2026年8月14日：東京都内の病院で逝去。
• 2026年8月27日：草間彌生公式サイトが逝去を公表。
• 2026年8月27日：草間彌生美術館も創設者の逝去を発表。

注目したいのは、草間が晩年まで創作を続けていた点だ。公式発表は、最期まで芸術に向き合った97年間を強調している。

草間にとって創作は、過去の成功を再現する作業ではなかった。幼少期から抱えてきた内面のイメージを、絵画や立体作品、空間表現へと変換し続ける営みだった。

彼女の死によって新たな作品が生み出されることはなくなったが、既存の作品や美術館、国際展覧会を通じて、その表現は今後も受け継がれていく。

【生い立ちと経歴】松本からニューヨークへ！世界的芸術家になるまでの歩み

草間彌生は1929年、長野県松本市に生まれた。

幼い頃から絵を描くことに親しみ、少女時代には幻視や幻聴を経験していた。目の前の風景が水玉で覆われたり、花が語りかけてきたりするような感覚が、後の芸術表現に深く関わっていく。

京都で日本画を学び、早くから才能を発揮

1948年から京都市立美術工芸学校で日本画を学び、翌1949年には第2回創造美術展に作品《残夢》が入選した。

1952年には故郷の松本市で初個展を開催。展示した作品は約250点に及んだ。1955年にはアメリカの画家ジョージア・オキーフに手紙と作品を送り、渡米への意志を固めていく。

この時期の草間は、すでに日本国内で独自の芸術活動を展開していた。アメリカへの渡航は、無名のまま海外へ移住したという単純な話ではない。自らの表現をより自由に展開できる場所を求めた、積極的な選択だった。

1957年の渡米とニューヨーク時代

1957年、草間は単身で渡米。翌1958年にはニューヨークを拠点として活動を始めた。

当時のニューヨークは、戦後の前衛芸術が大きく発展していた時代である。抽象表現主義やポップアートなど、新しい芸術の潮流が交差する環境のなかで、草間は独自のネット・ペインティングを発表した。

1950年代後半から1960年代にかけては、《無限の網》をはじめとする絵画、布製の突起物で覆ったソフト・スカルプチュア、鏡や光を使ったインスタレーションなど、表現領域を急速に拡大していった。

加えて、ボディ・ペインティング、ファッションショー、反戦を訴えるハプニング、映画制作などにも取り組む。既存の美術館や画廊の枠にとらわれず、街や身体、社会そのものを表現の舞台に変えていった。

帰国後も創作を継続し、新たな代表シリーズを生み出す

1973年に日本へ帰国した後は、小説や詩の執筆にも力を注いだ。

1983年には小説『クリストファー男娼窟』で野性時代新人賞を受賞。絵画だけにとどまらない表現者としての側面を示した。

1993年にはヴェネツィア・ビエンナーレの日本代表作家に選ばれ、国際的な評価をさらに高めた。

2009年からは大規模な絵画シリーズ「わが永遠の魂」に着手。2021年には新シリーズ「毎日愛について祈っている」の制作を開始した。

草間彌生の経歴・年表まとめ

この年表から見えてくるのは、草間の芸術が一つの成功パターンに固定されなかったことだ。日本画から始まり、抽象絵画、立体作品、パフォーマンス、文学、没入型インスタレーションへと、表現の可能性を広げ続けた。

【水玉模様の理由】幻視から生まれた「自己消滅」という独自の芸術哲学

草間彌生と聞いて、多くの人が最初に思い浮かべるのが水玉模様だろう。

南瓜を覆う黒い水玉、赤や黄色のドットが広がる壁面、身体や家具にまで増殖する模様。その反復は、草間の芸術を象徴する視覚的な特徴となっている。

しかし、水玉は単なる装飾ではない。草間自身の内面から生まれた、非常に個人的な表現だった。

水玉の原点は幼少期の幻視体験

草間は幼少期、視界いっぱいに水玉や網目が広がるような幻視を経験していた。

草間彌生美術館の解説によると、幼い頃に見た水玉のイメージを紙に描き写すことが、後の創作活動につながった。恐怖を感じる対象を絵にすることで、その感覚を作品へと変換していったのである。

つまり、水玉模様は最初から世界に向けたデザインとして考案されたものではない。本人の内側に生じた視覚体験が、芸術表現として発展したものだ。

一方、草間は水玉に愛と平和の象徴という意味も見いだしていた。個々の点が集まり、つながり、世界全体を覆う。そのイメージは、個人と他者、自然と宇宙の関係を考える表現へと広がっていった。

「無限の網」とは何か？繰り返しが生み出す無限の世界

草間の代表的な表現に「無限の網」がある。

1950年代後半から本格化したネット・ペインティングは、キャンバスの表面を無数の小さな網目で埋め尽くす作品群だ。

遠くから見ると単色の絵画のように見えるが、近づくと細かな筆致が画面全体に広がっていることが分かる。

この作品の特徴は、中心となる人物や物体を配置せず、画面のすみずみまで同じパターンを反復する点にある。

ニューヨーク近代美術館（MoMA）が所蔵する1959年の《No. F》も、その代表例だ。厚みのある細かな網目が画面を覆い、反復と無限の空間という草間の重要なテーマを示している。

また、この作品は抽象表現主義やミニマリズムとの関係からも評価されている。単純な形を反復しながら、画面の中心と周辺、図と地の区別を曖昧にしていく手法は、後の現代美術にも通じる革新性を持っていた。

自己消滅とは、自分と世界の境界をなくすこと

草間の芸術を理解するうえで欠かせないのが「自己消滅」という思想だ。

これは、同じ模様を繰り返し描き、無限に増殖させることで、最終的に自分自身もその模様の一部となり、個人と周囲の境界が失われていくという考え方である。

草間にとって、反復は単なる制作技法ではなかった。幼少期からの恐怖や強迫的なイメージを、作品制作を通して別の形へ変換する方法でもあった。

草間彌生美術館が過去の展覧会「宇宙からの音響」で紹介した解釈では、自己消滅は心理的な苦痛からの救済への願いと結びつき、さらに社会の不条理な抑圧から人々を解放しようとする表現へも広がっている。

ここで重要なのは、自己消滅を単純な自己否定と捉えないことだ。草間の作品では、自分がなくなることは、同時に世界全体とつながることでもある。

個人の内面から始まった表現が、宇宙、自然、愛、平和という普遍的なテーマへ発展した点に、草間芸術の大きな特徴がある。

【代表作品一覧】南瓜・無限の網・ミラールーム・わが永遠の魂を解説

草間彌生の代表作品は、水玉模様の絵画だけではない。平面作品、立体彫刻、映像、空間全体を使ったインスタレーションなど、非常に幅広い。

ここでは、芸術家としての歩みを理解するために欠かせない作品群を紹介する。

1. 《無限の網》シリーズ

1950年代後半から展開した代表的な絵画シリーズ。

細かな網目を画面全体に描き重ね、どこまでも続いていくような視覚空間を生み出す。単純な反復を極限まで追求した作品であり、ニューヨーク時代の草間を象徴する表現の一つだ。

初期の作品には白を基調とするモノクロームの絵画が多く、色彩よりも筆致や密度、反復の構造が強く意識されている。

2. 《集積》シリーズ・ソフトスカルプチュア

1960年代に展開した立体作品群。

家具や日用品の表面に、布で作った突起物を大量に取り付けることで、日常的な物体を異様な姿へと変化させた。

代表的な作品《Accumulation No. 1》（1962年）は、椅子を布製の立体的な突起物で覆った作品だ。

平面に描いていた反復のモチーフを立体へと拡張したものであり、草間の芸術がキャンバスの外側へ広がった重要な転換点となった。

3. 《ナルシスの庭》

1966年のヴェネツィア・ビエンナーレで発表されたことで知られる作品。

草間は1500個のミラーボールを地面に敷き詰めるパフォーマンスを行った。鏡面に映る景色や人々の姿が無数に反射し、現実の空間を別の世界へと変えていく。

作品には芸術と商業、鑑賞者と作家、オリジナルと複製といった問題を考えさせる側面もある。

1993年のヴェネツィア・ビエンナーレ日本館では、《ナルシスの庭》とは別に、《ミラー・ルーム（かぼちゃ）》（1991年）が展示の中心となった。両者は混同されやすいが、異なる作品である。

4. インフィニティ・ミラールーム

草間の代表的な空間作品として世界的に知られるのが「インフィニティ・ミラールーム」シリーズだ。

壁や天井に鏡を設置し、光やオブジェを配置することで、空間が無限に続いているような錯覚を生み出す。

鑑賞者は作品の外から眺めるだけではなく、その内部に入り込む。自分の姿が鏡の中で何度も反射し、周囲の光や色彩と一体化していく。

これは「自己消滅」という思想を、鑑賞者自身が身体的に体験できるようにした表現とも解釈できる。

特に《ミラー・ルーム（かぼちゃ）》（1991年）は、黄色と黒の水玉、鏡、南瓜という草間を象徴するモチーフを組み合わせた重要作品だ。

5. 《南瓜》シリーズ

黄色い南瓜に黒い水玉模様を施した作品群は、草間の代名詞として広く知られている。

南瓜は草間が繰り返し取り上げたモチーフであり、絵画だけでなく彫刻や大型の屋外作品にも展開された。

特徴的なのは、南瓜が単なる野菜の写実表現ではない点だ。丸みのある形状、独特の色彩、反復する水玉によって、親しみやすさと不思議な存在感を同時に生み出している。

草間芸術を初めて知る人にとっても分かりやすい作品だが、その背後には無限、反復、自然との一体化という深いテーマがある。

6. 《わが永遠の魂》シリーズ

2009年から2021年まで制作された大規模な絵画シリーズ。

12年間で約900点に及ぶ作品が生み出された。鮮やかな色彩、目、顔、水玉、独特の記号的なモチーフがキャンバスいっぱいに描かれている。

それまでの草間作品に見られたモノクロームの反復とは異なり、極彩色の画面が強烈な生命力を感じさせる。

作品には愛、自然、生命、死、宇宙といったテーマが重なり合っている。長年追求してきた無限という概念を、色彩豊かな絵画として大きく展開した集大成的なシリーズといえる。

7. 《毎日愛について祈っている》シリーズ

2021年に制作を開始した絵画シリーズ。

「わが永遠の魂」に続く作品群で、目や顔などのモチーフと短い言葉を組み合わせた表現が特徴となっている。

草間が晩年まで探究していた愛というテーマを、絵画のなかに継続して表現した作品群である。

これらの作品を並べると、草間の芸術が単純に水玉から南瓜へと発展したのではなく、反復、集積、無限、空間、生命、愛という複数のテーマを長い時間をかけて掘り下げてきたことが分かる。

【文化勲章と受賞歴】国内外で高く評価された草間彌生の芸術的功績

草間彌生の評価は、作品の知名度や美術市場での人気だけではない。国内外の美術館、芸術機関、文化関係の賞によって、その芸術的功績が認められてきた。

2016年に文化勲章を受章

日本における大きな節目が、2016年の文化勲章受章である。

文化勲章は、文化の発達に関して顕著な功績を挙げた人物に授与される栄誉だ。草間は前衛美術の分野で長年にわたり独自の表現を切り開き、日本の現代美術を世界に発信してきた功績を評価された。

主な受賞・受章歴

• 1968年：映画『草間の自己消滅』で国際短編映画祭などの賞を受賞。
• 1983年：小説『クリストファー男娼窟』で野性時代新人賞。
• 2000年：芸術選奨文部大臣賞、外務大臣表彰。
• 2001年：朝日賞。
• 2003年：フランス芸術文化勲章オフィシエ。
• 2006年：高松宮殿下記念世界文化賞（絵画部門）、旭日小綬章、ライフタイム・アチーブメント賞。
• 2009年：文化功労者。
• 2016年：文化勲章。

絵画だけでなく、映画や文学の分野でも賞を受けている点が特徴的だ。草間の表現活動が、美術という一つのジャンルに収まらなかったことを示している。

ニューヨークの前衛芸術から世界的な再評価へ

草間の国際的な評価を語るうえで、1993年のヴェネツィア・ビエンナーレは重要な出来事だ。

草間は第45回ヴェネツィア・ビエンナーレで日本代表作家を務めた。日本館では、初期のネットペインティングからソフトスカルプチュア、近作まで幅広い作品が紹介された。

国際交流基金の日本館公式記録によると、展示の中心となったのは《ミラー・ルーム（かぼちゃ）》。黄色と黒の水玉に覆われた空間の中央に鏡張りの立方体を配置し、内部の南瓜が無限に増殖するような視覚効果を生み出した。

同公式記録では、1960年代の草間は国際的に知られていた一方、作品の特異性から誤解や偏見にも囲まれていたと説明されている。1993年の日本館展示は、彼女の芸術を戦後モダニズムの流れの中で再評価する契機となった。

その後もロサンゼルス・カウンティ美術館、ニューヨーク近代美術館、ウォーカー・アート・センター、東京都現代美術館などを巡る大規模な回顧展が開催された。

ニューヨーク近代美術館のコレクションにも多数の作品が収蔵されており、国際的な美術史の中で重要な作家として位置付けられている。

なぜ草間彌生は世界で評価されるのか

世界的な評価につながった理由は、大きく三つある。

第一に、誰が見ても識別できる独自のビジュアル表現だ。水玉や網目、南瓜、鏡の空間は、言葉や文化の違いを超えて視覚的に伝わりやすい。

第二に、作品の形式を変えても一貫する芸術思想である。絵画から立体、映像、空間表現へと変化しても、反復や無限、自己と世界の関係というテーマは継続している。

第三に、鑑賞者を作品の一部にする体験型の表現だ。インフィニティ・ミラールームでは、作品を眺めるだけでなく、自分自身がその空間に取り込まれる。鑑賞者と作品の関係を変えた点は、現代美術における大きな功績といえる。

【2026年11月最新】草間彌生美術館と海外の開催中展覧会

草間彌生の逝去後も、作品を紹介する展覧会は続いている。2026年11月3日現在、特に注目されるのは東京の草間彌生美術館とオランダ・アムステルダムで開催されている展覧会だ。

東京・草間彌生美術館「パァーッと光が出て、キラキラッていろんなものが見えてくる。」

東京・新宿区にある草間彌生美術館では、2026年10月8日から2027年1月31日まで、企画展「パァーッと光が出て、キラキラッていろんなものが見えてくる。」を開催している。

今回の展示の中心となるテーマは「光」だ。

草間が幼少期に経験した幻視を、輝きや煌めき、オーラという観点から捉え直し、初期のドローイングから「無限の網」、近年の絵画シリーズまでを通して、その表現の変遷を紹介している。

展示には、1950年代のドローイング、帰国後のコラージュ、1980年代以降の色彩豊かな絵画、「わが永遠の魂」の作品群などが含まれる。

鏡や電飾を使ったミラールーム、金属箔を使った立体作品、日本初公開の鏡を用いた梯子の屋外立体作品なども見どころだ。

開催情報

• 会期：2026年10月8日～2027年1月31日
• 会場：草間彌生美術館（東京都新宿区弁天町107）
• 開館日：木・金・土・日曜日および祝日
• 開館時間：11時～17時30分
• 観覧料：一般1,100円、小中高生600円
• 入場方式：日時指定・完全予約制、各回90分

入場には事前予約が必要で、美術館窓口での当日券販売は行っていない。毎月1日午前10時に翌々月分のチケット販売が始まる仕組みだ。

なお、年末年始は2026年12月28日から2027年1月6日まで休館予定となっている。

オランダ・アムステルダム市立美術館の大規模回顧展

海外では、アムステルダム市立美術館（Stedelijk Museum Amsterdam）で2026年9月11日から2027年1月17日まで、草間彌生の大規模回顧展が開催されている。

70年以上にわたる芸術活動を振り返る展覧会で、絵画、彫刻、インスタレーション、ドローイング、ファッション、コラージュ、ハプニングなど、多様な表現を紹介する。

草間の逝去を受け、今回の展覧会は作家の生涯と作品をたたえる追悼的な意味も持つようになった。

展覧会では、代表的な作品に加え、模様と反射によって無限の宇宙に入り込んだような感覚を生み出す新しいバージョンのインスタレーションも見どころとして紹介されている。

ヨーロッパでは、スイスのバイエラー財団美術館、ドイツのルートヴィヒ美術館を経て、アムステルダムへと巡回してきた大規模プロジェクトの最終会場となる。

2026年の展覧会で注目すべきポイント

2026年の展覧会を理解するうえで重要なのは、草間の作品を単に有名な水玉や南瓜だけで捉えないことだ。

東京の企画展では「光」を切り口に、初期から晩年までの表現をたどることができる。一方、アムステルダムの回顧展は、70年以上に及ぶ活動を多様なジャンルから振り返る構成となっている。

両展覧会に共通するのは、草間の芸術を一つの代表作だけで説明せず、その変化と継続性を伝えようとしている点だ。

初めて作品に触れる人には、南瓜やミラールームから入り、そこから無限の網や自己消滅の思想へと理解を深めていく鑑賞方法もおすすめできる。

【芸術的評価の核心】草間彌生が世界に残したものと、誤解されやすい3つのポイント

草間彌生の芸術は、世界中で親しまれている一方、その分かりやすいビジュアルだけが先行して理解されることもある。

作品をより深く理解するには、いくつかの誤解を整理しておく必要がある。

誤解1：草間彌生の芸術は水玉模様だけではない

水玉は草間の象徴的なモチーフだが、活動全体を水玉だけで説明することはできない。

初期の日本画、モノクロームのネットペインティング、布製の立体作品、反戦パフォーマンス、鏡を使った空間作品、文学作品など、表現の幅は非常に広い。

水玉は、それらをつなぐ重要なモチーフの一つであり、草間芸術そのもののすべてではない。

誤解2：幻視体験だけが作品の意味ではない

幼少期の幻視や幻聴は、草間の創作活動に深い影響を与えた。しかし、彼女の作品を精神的な苦痛の記録としてだけ解釈するのは不十分だ。

草間は、その内面の体験を反復という技法によって作品に変え、さらに愛、平和、自然、宇宙という普遍的なテーマへ発展させた。

個人的な経験から出発しながら、鑑賞者が自分自身の存在や世界との関係を考える表現へと広げた点が、芸術家としての独自性である。

誤解3：世界的な人気はSNS映えだけで生まれたわけではない

現在では、南瓜やミラールームが写真や映像を通じて世界中に広がっている。

しかし、草間の評価はSNSの普及以前から形成されていた。ニューヨーク時代の前衛芸術活動、1960年代のパフォーマンス、1993年のヴェネツィア・ビエンナーレ日本代表、国際美術館での回顧展など、長い時間をかけた実績がある。

MoMAやテート・モダン、ポンピドゥー・センターなどの国際的な美術館で紹介されてきたことも、作品が美術史の中で評価されていることを示す。

草間彌生の芸術を鑑賞する際の判断基準

草間作品を深く楽しむためには、次の三つの視点を持つと理解が進む。

• 反復に注目する：水玉や網目がどのように増殖し、画面や空間を覆っているかを見る。
• 自分と作品の関係を考える：ミラールームなどでは、自分の姿が作品世界の一部になる感覚に注目する。
• 作品の制作年代を確認する：ニューヨーク時代と晩年の作品を比較し、色彩や素材、テーマがどう変化したかを読み取る。

一方、作品の意味を深く考えることよりも、色や形の美しさを楽しみたい人にとっても、草間作品は十分に魅力的だ。視覚的な楽しさと芸術思想の両方を持っていることが、幅広い世代に支持される理由の一つになっている。

【草間彌生のよくある質問（FAQ）】

Q1：草間彌生はいつ亡くなった？
A1：2026年8月14日、東京都内の病院で97歳で亡くなった。公式発表は同年8月27日に行われた。

Q2：草間彌生はなぜ水玉模様を描くの？
A2：幼少期に経験した幻視が水玉表現の原点とされる。本人にとって水玉は、内面の体験を表現する手段であり、後には愛や平和、宇宙とのつながりを象徴するモチーフにもなった。

Q3：草間彌生の代表作品は何？
A3：《無限の網》《集積》シリーズ、《ナルシスの庭》《インフィニティ・ミラールーム》《南瓜》《わが永遠の魂》などが代表作として知られる。

Q4：草間彌生の文化勲章は何年？
A4：2016年に受章した。そのほか、高松宮殿下記念世界文化賞、朝日賞、旭日小綬章、フランス芸術文化勲章オフィシエなども受けている。

Q5：草間彌生美術館は現在も開館している？
A5：2026年11月現在、東京・新宿区の草間彌生美術館は開館している。2026年10月8日から2027年1月31日までは「パァーッと光が出て、キラキラッていろんなものが見えてくる。」を開催中。日時指定の事前予約が必要だ。

Q6：2026年11月現在、海外で草間彌生の展覧会は開催されている？
A6：オランダのアムステルダム市立美術館で大規模回顧展が開催されている。会期は2026年9月11日から2027年1月17日まで。

Q7：草間彌生の「自己消滅」とはどういう意味？
A7：水玉や網目を無限に反復・増殖させることで、自分と周囲の境界がなくなり、世界や宇宙の一部になるという芸術思想だ。個人的な恐怖からの解放と、他者や自然との一体化という意味を持つ。

草間彌生は、1929年に長野県松本市で生まれ、幼少期の幻視体験を芸術へと昇華させた前衛芸術家だった。

1957年の渡米とニューヨーク時代を経て、「無限の網」「自己消滅」「インフィニティ・ミラールーム」など、独自の表現と思想を確立。帰国後も絵画、彫刻、文学、インスタレーションなど多様な分野で創作を続けた。

南瓜や水玉模様は、世界中で知られる草間芸術の象徴だ。しかし、その本質は、反復によって自分と世界の境界を問い直し、愛や平和、生命、宇宙の無限性を表現し続けたことにある。

2016年の文化勲章をはじめとする数々の受賞歴、世界各地の美術館での回顧展、2017年に開館した草間彌生美術館は、その芸術的功績を物語っている。

2026年8月14日に97歳で逝去した草間だが、その作品は今も世界各地で鑑賞できる。東京の草間彌生美術館では「光」をテーマにした企画展が開催され、アムステルダムでは70年以上の活動を振り返る大規模回顧展が続いている。

【プロの結論】

草間彌生の最大の功績は、自分自身の内面にある個人的な体験を、世界中の人々が共有できる芸術へと変えたことだ。

水玉は一つの点にすぎない。しかし、それが無数に集まれば、画面を覆い、空間を変え、鑑賞者の存在さえも作品の一部にする。草間は、その単純な反復の中に無限という大きな概念を見いだした。

作品を前にしたとき、まず水玉の美しさに目を奪われるのも自然なことだ。だが、その模様がどこから生まれ、何を表現しようとしていたのかを知ると、見慣れた南瓜や鏡の空間もまったく違って見えてくる。

草間彌生が世界に残したのは、単なる独創的な作品群ではない。個人の苦悩を創造力に変え、他者とのつながりや世界の未来を考えるための、無限に開かれた芸術の可能性なのである。

主な事実確認資料： 草間彌生公式サイト・公式略歴、草間彌生美術館、練馬区立美術館、ニューヨーク近代美術館（MoMA）、国際交流基金、アムステルダム市の展覧会情報。

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